Foucault (nos) olha através do espelho de Velázquez

Ainda sobre o intrigante ‘Las Meninas’, de Diego Velázquez. Embora não existam pistas óbvias de tratar-se de um autorretrato - seja no título, seja na profusão de personagens da cena -, a imagem é antes de tudo um convite para uma (auto)análise. Velázquez constrói uma imagem que nos faz pensar sermos testemunhas de uma habitual cena de convivência do artista com a nobreza.

Subvertendo os pontos de vistas do observador e do observado, Velázquez expõe as diferenças do papel social do artista frente às classes dominantes de seu tempo, e reivindica seu próprio lugar e sua condição social colocando-se na cena. E mais, macula a relação de intimidade junto aos nobres nos convidando a testemunhar o evento. Ao se colocar no papel de protagonista junto aos reis, representados apenas no reflexo longínquo da parede do fundo da sala, Velázquez brinca de girar a roda da fortuna confundindo a hierarquia histórica das personagens, quase como num manifesto silencioso enviado para as gerações futuras. Parece apontar as fragilidades dos bens materiais frente ao talento divino do artista, e desafia o seu tempo a ultrapassar essas fronteiras. Duplicando seu olhar, ora para dentro e ora para fora da tela, o pintor se divide nos papéis da interlocução. Assim, também nos coloca no diálogo como interatores capazes de questionar não só o papel de cada personagem, como nosso próprio papel enquanto espectadores, num exercício especular.

A palavra especular pode ser, além de alusivo a espelho, definida como o ato de observar, meditar, pesquisar e indagar, e é nessa ordem que também racionalizamos teoricamente as causas da existência metafísica das coisas. Não à toa, Michel Foucault no livro ‘As palavras e as coisas’ (1981) fez um passeio filosófico sobre as relações que se constroem em torno da imagem de ‘Las Meninas’, analisando o lugar do sujeito na representação. Sua leitura crítica sobre a obra destaca fundamentalmente a importância do espelho no fundo da sala e no centro áureo da pintura, como o elemento que restitui o que falta a cada olhar das personagens em cena:

'Talvez essa generosidade do espelho seja simulada; talvez esconda tanto ou mais do que manifesta. O lugar onde impera o rei com sua esposa é também o do artista e o do espectador: no fundo do espelho poderia aparecer – deveriam aparecer – o rosto anônimo do transeunte e o de Velázquez. Pois a função desse reflexo é atrair para o interior do quadro o que lhe é intimamente estranho: o olhar que o organizou e aquele para o qual ele se desdobra.’ (FOUCAULT, Michel. ‘Las Meninas’ in As palavras e as coisas. São Paulo: Martins Fontes 1981. (p. 30)

O estudo de Foucault vai ao cerne do problema que gira em torno do sujeito que se autorretrata figurativamente. Sua relação ambígua com sua própria imagem frente ao seu papel social, sua identidade privada e sua conduta coletiva, seus motivos de adoração e desejos de transformação e perpetuação. Em outras palavras, o desejo de lançar mão da própria imagem e projetá-la para além de sua limitada existência física original acompanha a humanidade até hoje, e não são poucos os exemplos. A autorreflexão, autoafirmação, autodilaceração ou autossublimação caminham lado a lado ao espírito criativo. São buscas pela eternidade. Estão dentro dos artistas e de cada um de nós em maior e em menor grau ao longo da nossa existência.

Las Meninas

'Las Meninas', de Diego Velazques, 1656.

Ver, ou melhor, rever ‘Las Meninas’ quase 20 anos depois da primeira vez foi uma experiência curiosa. Ainda no curso de Arquitetura e Urbanismo na UFPA, esta imagem do espanhol Diego Velazquez me foi apresentada pelo então titular da Disciplina História da Arte, Prof° Hélio Veríssimo (um gaúcho que foi um dos pioneiros da disciplina História da Arte no Pará) no fim da década de 1980. Pouco me lembro dos comentários do professor, exceto por alguns detalhes relativos às curiosidades sobre os retratados, sobre umas supostas mensagens simbólicas camufladas na riqueza de detalhes do aposento barroco, e de, talvez, ter desejado um dia poder ver de perto esta e outras imagens daquela aula. Hoje, meu olhar se vê mais uma vez convidado a entrar neste quadro enigmático, - novamente ciceroneado por outra gaúcha, Profª Mônica Zielinsky, - e relatar minhas impressões desse passeio visual reflexivo. Não poderia começar minha abordagem sem antes levantar o componente sentimental e memorialista que esta imagem provoca em mim, ontem e agora, pois é justamente daí que vem minha leitura mais espontânea: a relação do olhar ao longo do tempo.

Não sei se foi a vivência como fotógrafa que me impôs um leitura visual pautada prioritariamente nas questões da luz e do foco, mas ‘Las meninas’ tem nestes dois quesitos elementos estruturais que lhe garantem parte da força e do frescor que lhe constituem. Quase duzentos anos antes da invenção da fotografia, Velazquez constrói uma cena rica em contrastes de claro e escuro, e com uma profundidade de foco no campo visual que seria compatível com uma ínfima abertura de diafragma, o que lhe garantiria muita nitidez para a cena se estivesse usando uma câmera. A iluminação da cena a partir da disposição dos personagens e da tela, - que parece está em processo de produção com um pintor ainda a postos - invoca a primeira de uma série de estranhezas relativas ao assunto do quadro e a intenção do autor ao criá-lo. O que de fato estaria acontecendo na sala?

Sem entrar no mérito dos personagens e do papel que cada um representa no grupo -muitos outros já fizeram isso de forma brilhante, e proponho ler a obra com o mínimo possível de referências diretas -, atenho-me a ver o quadro com o que trago das reminiscências que já descrevi há pouco. É indiscutível reconhecer que se trata de uma imagem que remete imediatamente a um flagrante típico de um registro paparazzi. Furtivamente, Velazquez nos faz pensar sermos testemunhas de uma cena habitual do seu atelier durante sua convivência com a nobreza espanhola. Os olhares desconfiados e surpresos do pintor, da menina loura, da anã e do nobre ao fundo da sala nos denuncia como visitantes deslocados do contexto. Suas expressões nos questionam sobre o quanto de mágico e perverso existe na curiosidade humana pela invasão aos círculos privados, nas vidas alheias e nas altas esferas de convívio do poder. Não é preciso muito conhecimento histórico para logo intuir que se trata de um grupo real, reunido e rodeado pelos símbolos que lhe vem perpetuando o status de luxo e riqueza: quadros, jóias, serviçais e um pintor para eternizar ou fantasiar o que eles achavam ser sua condição divina.

Ao flagrar a cena e se perguntar quem poderia afinal estaria sendo pintado pelo pintor à esquerda (imaginando não saber que se trata do próprio Velazquez auto-retratado junto aos nobres) tenta-se recorrer ao título do quadro, em que as meninas são o tema principal. A iluminação da cena, no entanto, confunde o assunto, pois a personagem mais ricamente adornada encontra-se de costas para o pintor, iluminada à contraluz e aparentemente interessada em olhar para além dos limites do quadro. Será para nós? Examinando atentamente o ambiente, vê-se ao fundo da sala um grande espelho que reflete um casal de nobres vestidos e postados com um rigor de realeza, e eles sim, parecem inspirar a atenção e respeito dos demais. Daí é que a uma nova organização espacial pode se dar para a cena, uma vez que a luz lateral ilumina um tema novo para nosso olhar, mas não para as demandas dos pintores dos séculos passados, que eram basicamente mantidos pelas encomendas de retratos à óleo de reis e do clero, como forma de perpetuação de poder e deleite narcisista.


Acima, a identificação dos personagens retratados no quadro.

Duplos

Espelhos que duplicam planos, autorretratos que duplicam rostos e transparências que interpolam camadas. Eis ai alguns temas que sempre fascinam em qualquer época, em qualquer estilo e linguagem.
Brassäi foi um mestre da fotografia que não resistiu às incontáveis possibilidades de jogar com reflexos de pessoas e luzes fotografando espelhos. As banhistas e os boêmios parisienses entraram para a história das imagens do Séc.XX.


Acima, à esquerda, ‘Backstage at the Folies-Bergere’, de 1933 e ao lado ‘ Couple d'amoureux dans un petit café’, quartier Italie, ca. 1932, ambas de Brassäi.

E o que dizer dos ensaios de André Kertèsz que subverteram com estranheza onírica as formas do corpo feminino, tema tão explorado pelas mais diferentes linguagens ao longo do tempo?



Acima, a série ‘Distorsion de André Kertész, de 1933. Espelhos também são aliados para outro tema recorrente na história da Arte e da representação, os autorretratos.



Henri Cartier-Bresson, Autorretrato, França, 1932



Bresson se autorretrata ainda jovem com sua Leica e, em 1992 é flagrado ao se auto retratar em pastel pela companheira Martine Frank.

Mais beijos...nunca são demais!

'Se lembra quando agente chegou um dia acreditar...' Foto© Flavya Mutran - Belém/PA - 2006

Beijos de prata

Junte um olhar que vira um clic roubado e uma cena eternizada pelas lentes de algum mestre da fotografia e teremos uma combinação saborosa que alimenta a alma de qualquer voyeur. Será que é possível escolher as 10 fotos dos beijos mais bonitos da fotografia clássica? Eu deixo aqui os meus preferidos.

Man Ray, 'hands on lips', 1929.

Helmut Newton, Le baiser, 1982.

Sabine Weiss, 'Kissing Teenagers', paris 1955.

Robert Doisneau, 'Le Baiser de L'Hotel de Ville', Paris, 1950.

Henri Cartier-Bresson, 'boulevard diderot', Paris, 1969.

Elliot Erwitt, "California', 1995.

Alfred Eisenstaedt, 'Kissing on VJ Day in times square', 1945.

Brassäi, 'Lovers in Bistro', 1932-33

Edouard Boubat, 'Ile Sanit Louis', 1975.

André Kertész, Lovers, Budapest, 1915.

De névoa e de sonho

Uma coisa sempre me fascinou na biografia de alguns fotógrafos, o fato da fotografia aparecer na vida das pessoas como forma de expressão pessoal, articulação de idéias, expansão de horizontes ou mesmo resgate da auto-estima e meio de liberar demônios e dores. Julia Margaret Cameron, do Séc.XIX e Diane Arbus, do Séc XX são duas mulheres que, separadas por quase 100 anos de diferença, usaram a fotografia para representar personagens que parecem saídos de sonhos. Duas fotógrafas que são exemplos de como a fotografia pode ser decisiva para a transformação pessoal e social.

'The Gardeners Daughter’, 1867, e ‘The Passing of Arthur’, modelos do círculo privado emprestam suas figuras para personificar os sonhos de Margaret. Passa-tempo lúdico por entre os jardins e os inúmeros cômodos da mansão da artista na Inglaterra.©Julia Margaret Cameron

Margaret Cameron, inglesa que começou a fotografar com mais de 40 anos de idade, encontrou nas dificuldades técnicas com a fotografia um modo particular de fazer retratos. Sua primeira câmera só permitia um ponto de foco, desfocando os demais, e somado a isto os longos tempos de exposição da época ajudavam a deixar as imagens de Cameron encobertas por uma atmosfera que contribuía em muito para o clima onírico que envolvia suas personagens. Mais tarde, mesmo trocando de equipamento, continuou a usar deste artifício técnico para criar a névoa que encobre suas fotos como um estilo pessoal inconfundível.


'Russian midget friends in a leaving room on 100th Street,’ e ‘Retired man and his wife at home in a nudist camp one morning’, de 1963 ©Diane Arbus.

Diane Arbus, americana, também começou a fotografar já casada, por volta dos anos de 1940, produzindo fotos para o marido, e só mais tarde começou a fotografar profissionalmente. Arbus passou também a utilizar o que seria uma de suas marcas registradas: o flash diurno como modo de destacar os retratados em primeiro plano. Tanto Cameron quanto Arbus não precisavam da fotografia como meio de subsistência e sim a tinham como uma forma de resistência cultural aos papéis pré-programados de donas-de-casa e mães. De famílias ricas, viveram cercadas de luxo, mas também tiveram acesso á cultura, arte, outras línguas e informação.

À esquerda, Julia Jackson, 1867 ©Julia Margaret Cameron, e ao lado, foto de Marcella Matthaei, em 1969 por ©Diane Arbus.

Os modelos de Cameron eram no início apenas pessoas da família, amigos e alguns empregados. Na Inglaterra Vitoriana a idéia de que a ciência era uma recreação ideal para os meninos porque desenvolvia seus atributos de observação e análise, inspirou Cameron a usar a fotografia como entretenimento e como uma forma de desafiar os princípios religiosos vigentes, permitindo um deslocamento dos valores espirituais da religião para a literatura, as ciências e para a arte.



‘I wait’, 1860 ©Julia Margaret Cameron e ‘A Child Crying’, 1967 por ©Diane Arbus

Religiosidade, mitologia grega, pinturas renascentistas, e principalmente a literatura foram os temas mais explorados por Cameron, que encontra na figura da mulher sua expressão mais recorrente. É curiosa e até ingênua a maneira como ela explora os rostos familiares travestindo-os em figuras imaginárias sem o compromisso com o valor documental da fotografia, tida inicialmente, como instrumento duplicador da realidade. Ela quebra estas barreiras e toma posse da fotografia como ferramenta de criação de personagens arquetípicos, polêmicos (como Beatrice Cencil ) e ficcionais.



À esquerda, imagem Pre-Raphaelite Study 1870, ©Julia Margaret Cameron e ao lado, ‘Albino sword swallower at a carnival’, de 1970, © Diane Arbus. Imagens coincidentes e atemporais na leveza de retratar a mulher, com um intervalo de 100 anos entre ambas.

Já Diane Arbus foi além, não precisou criar seres estranhos ao seu universo fantasiando modelos para expressar sua criatividade. Foi direto buscar na multiplicidade de tipos humanos reais, todos os elementos bizarros que ilustrariam qualquer enredo fantástico. Diane retratou travestis, anões, deficientes mentais, nudistas, casais de idades e etnias diferentes. As pessoas à margem da sociedade atraíam Arbus, que as fotografava como ninguém: não se tratava de explorar a imagem dos excluídos, e sim de estabelecer contato e criar uma relação de confiança entre ela e os seus fotografados.
Segundo Mauricius Farina, “A narrativa presente na obra de Arbus é de reação aos ideais de uma sociedade de consumo em que a imagem pertence a uma ordem positiva e a liberdade, como um valor presente que garante a todos uma condição democrática de vida, é ilusória. Há na sociedade de consumo uma sensação de repúdio ao mundo dos anormais, esse mundo bizarro que denuncia a hipocrisia do mundo ‘normal’; é nessa via que Arbus trafega”.
De sonho e de névoa os olhares dessas mulheres mapearam os território de afetos possíveis no rosto humano, como fronteiras de fantasias e de verdades.
Por Flavya Mutran

LEIA MAIS
1 ‘OS RETRATOS FEMININOS DE JULIA CAMERON’, de Amanda França, disponível em http://www.speculum.art.br/module.php?a_id=338
2 ‘Na altura da carne e depois do espelho’, de Maurícius Farina, disponível em http://www.studium.iar.unicamp.br/13/4.html

Uma janela para imagens e reflexões sobre o tempo

Abaixo, a heliografia de Joseph Niépce de 1826; e acima, uma das imagens de Marte, de 1965. Com um intervalo de quase 140 anos entre as duas imagens, a paisagem da janela, seja ela de que mundo for ainda tem sido um dos maiores interesses da humanidade em todos os tempos.



Este blog pretende ser um espaço para tratar de lembranças e de esquecimentos. E justamente por se tratar de fragmentos do tempo e da memória é que as primeiras imagens aqui publicadas são marcos na história da fotografia.

Uma é considerada a primeira ‘fotografia permanente do mundo’, conseguida após inúmeras e exaustivas tentativas do francês Joseph Niépce para registrar a paisagem da janela do seu quarto nos arredores de Paris, no verão de 1826. O processo, batizado por Nièpce como heliografia (ou grafia da luz solar), dependia de longos tempos de exposição em placas de estanho recobertos com verniz de asfalto, conhecido como betume da Judéia, já utilizando as câmeras escuras fabricadas pelos famosos irmãos Chevalier, óticos franceses. Resultado de oito horas ininterruptas de exposição, este único ‘clique’ registra os claros e escuros de uma combinação intrigante entre luz e tempo. Nenhuma imagem impressa antes tinha sido tão técnica, e ao mesmo tempo tão abstrata como esta. Jamais o mundo recebeu tal representação assim, fruto da combinação entre a engenhosidade humana e seus meios mecânicos, com a mágica da grafia da luz sem a dependência direta das aptidões de um desenhista para representá-la. O deslocamento das sombras dos telhados em frente à janela de Nièpce inaugura um novo olhar sobre a relação do homem com o tempo, e apesar da precariedade dessa imagem frente aos registros posteriores de Daguèrre, - este sim considerado o pai do processo que conhecemos hoje como fotografia,- esta vista da janela do sótão em Charlons-sur-Saône de Nièpce representa o início de um debate sobre o que de objetividade e ficção existe na linguagem fotográfica.
A segunda foto é também coincidentemente uma espécie de vista de janela, e apesar de também uma imagem monocromática precária, foi, ao seu tempo, um divisor de águas, ou melhor, de luzes no que se refere às técnicas fotográficas. Trata-se de uma das 22 imagens da superfície de Marte feitas por uma câmera de televisão a bordo da sonda Norte americana Mariner 4, em 1965. Consideradas como as primeiras fotografias sem o uso de filme, apesar de não serem produzidas por meios puramente digitais são instantâneos realizados remotamente (com transmissão interplanetária) sem a necessidade sequer de um astronauta para acionar o disparador da máquina. O grande avanço possibilitava um ganho na rapidez do processamento da imagem, uma vez que dispensava a necessidade de ter que retornar do espaço para revelar o filme e ampliar as cópias. Apesar de pequenas para os padrões atuais, a transmissão das fotos com pouco mais de 0,04 megapixels levou aproximadamente quatro dias para chegar à Terra. Das oito horas de Nièpce para os quatro dias de transmissão das vistas de Marte da Mariner já se vão mais de 100 anos. Mudaram os meios, os olhos, os temas, mas o desejo pela perpetuação de como vemos o mundo a nossa volta permanece.
Sejam quais forem os autores, os períodos e temas, a fotografia é o foco principal deste espaço que, espero, receba contribuições dos amigos e interessados nos assuntos postados aqui. Vamos em frente!